Los productos de marca de los artistas, o «merch de artistas», son una extensión de una práctica creativa que teje su visión en el entramado de la vida cotidiana. A medida que los creativos amplían su huella artística creando sus propias marcas, asociándose con ídolos del K-pop o ampliando su alcance con grandes marcas mediante colaboradores, estos productos están encontrando su público por múltiples vías, actuando como un potente motor que sustenta el ecosistema creativo.
Esta edición de la obra emblemática de Nanan, «Long Long Time Flower», fue creada para simbolizar el anhelo de que los sentimientos de gratitud hacia un ser querido nunca se desvanezcan.
Cortesía de Nanan; fotografía de SAIIDA
La af irmación de que «los artistas son pobres» es en parte cierta y en parte falsa. Salvo unos pocos afortunados cuyas obras alcanzan precios elevados, muchos artistas tienen dificultades para lograr la estabilidad económica solo vendiendo sus obras. Sin embargo, en la era actual la autopromoción f lorece en Internet y, en vez de depender por completo de galerías o marchantes de arte, un número cada vez mayor de creadores opta por conectar directamente con su público a través de plataformas digitales.
En concreto, los productos creados por artistas ofrecen una oportunidad esencial para dar a conocer el nombre de un artista a un público más amplio. Más allá de complementar sus ingresos, los réditos por ventas de productos de marca de los artistas generan el combustible esencial para sostener su trabajo creativo.
Al mismo tiempo, estos artículos aportan la alegría de poseer una pieza del universo de un artista a esos amantes del arte para quienes las obras originales pueden resultar inalcanzables. De este modo, los productos de artistas reducen las barreras de acceso al arte, al tiempo que proponen nuevas formas de interacción entre las obras de arte y la vida cotidiana, más allá de las paredes de las galerías.
Para el proyecto «Serpenti in Art» de Bvlgari de 2023, que celebra el 75.º aniversario de la colección, el artista Kim Sun-woo colaboró con la marca para incorporar su emblemático pájaro dodo a este diseño.
Cortesía de Kim Sun-woo
OTRA FORMA DE PRÁCTICA ARTÍSTICA
Para muchos artistas, las colaboraciones con marcas constituyen el puente más común para llevar sus productos al público. Una figura destacada que recientemente ha elevado su perfil gracias a este tipo de colaboraciones es Kim Sun-woo, ampliamente conocido como el «artista del dodo». Kim utiliza el dodo, un ave que se extinguió en el siglo XVII, como conmovedora metáfora de la vida moderna. Tras haberse adaptado al cómodo santuario libre de depredadores de Mauricio, ese pájaro perdió su capacidad de volar y, finalmente desapareció con la llegada de los humanos y las especies invasoras. Kim ve en el dodo un reflejo de las personas contemporáneas, que renuncian a sus sueños e identidad para conformarse con la realidad. Sin embargo, el artista insufla nueva vida a la criatura, reinventándola como un entrañable y vivaz trotamundos que recorre libremente el planeta. Resucitado en su lienzo, el poderoso aleteo del dodo transmite un mensaje inspirador: nosotros también podemos elevarnos por encima de la dura realidad y volver a alzar el vuelo. Kim, uno de los artistas más comentados en el panorama artístico coreano gracias a este icónico motivo, ha logrado un apasionado grupo de seguidores y se ha convertido en una figura muy demandada por diversas empresas y marcas de lujo.
Para otros artistas, crear productos derivados implica mucho más que simplemente comercializar una obra terminada: es un acto creativo que amplía su ámbito artístico a medios totalmente nuevos. La obra de Nanan (Kang Nanan) abarca la pintura, los objetos y la performance, tomando las f lores y la naturaleza como motivos característicos. Aunque las f lores frescas son un regalo romántico, se marchitan rápidamente si no se cuidan. La serie emblemática de Nanan, «Long Long Time Flower», nos ofrece flores que nunca se marchitan. La superposición de pétalos de papel de colores y de hojas de diversas formas dentro de un jarrón crea una escena mágica, llenando el hogar de una fragancia que casi se puede «oler con los ojos».
La artista Park Hayne, que principalmente trabaja con la luz y el vidrio, es como una «alquimista del vidrio». Desde 2015, bajo la marca Gloryhole Light Sales, ha difuminado las fronteras entre las bellas artes y el diseño comercial. En la fabricación tradicional de vidrio, un «glory hole» hace referencia a un tipo de horno utilizado para recalentar el vidrio durante el proceso de moldeado con el fin de restaurar su maleabilidad. Al observar cómo el vidrio fundido se retorcía y bailaba bajo el intenso calor, Park vislumbró la vitalidad visceral de la vida. Bajo su toque, el vidrio ablandado renace en forma de luminarias amorfas. Alejándose de las siluetas redondas u ovaladas convencionales, sus creaciones evocan misteriosos organismos vivos que se asemejan a espíritus fantasmales o a flora extraterrestre. Para Park, una lámpara es mucho más que una fuente de luz funcional: es un estudio escultórico de las propiedades físicas del vidrio. Ella basa su trabajo en las técnicas tradicionales del soplado de vidrio, como recoger el vidrio fundido en la punta de una pipa de soplado, y del trabajo con soplete, que utiliza la llama localizada de un soplete para dar forma al material. Al fusionar estos métodos consagrados por el tiempo con su visión singular, crea piezas de iluminación donde la tradición y el diseño contemporáneo convergen a la perfección.
Explorando la frontera entre las bellas artes y el diseño funcional, «Shimmer-Clear» es una obra de iluminación de Park Hayne, artista especializada en luz y cristal.
Cortesía de Park Hayne
COLABORACIONES CON ÍDOLOS DEL K-POP
Con ilustraciones de I Mimi, este gua sha (herramienta de masaje) de cerámica con forma de perro, y su bolsita con cordón, se incluyen en la versión «Gua Sha Ceramic Objet» del cuarto miniálbum de Illit, Mamihlapinatapai (2026).
Cortesía de I Mimi
El fenómeno cultural de los productos creados por artistas también se extiende a las colaboraciones con ídolos del K-pop. La artista Park Jieun es conocida por sus pinturas que reinterpretan a los Cuatro Reyes Celestiales, las deidades protectoras que custodian la doctrina budista y a los seres sintientes, como personajes femeninos contemporáneos. Tras preguntarse por qué las figuras de las pinturas budistas tradicionales se representan predominantemente como hombres de edad avanzada, repensó la tradición para el siglo XXI, situando a las mujeres en el centro.
La emblemática serie resultante se titula «Los cuatro guardianes del budismo», donde fusiona el simbolismo de los guardianes tradicionales con los gustos contemporáneos y la sensibilidad cotidiana. Por ejemplo, Vaisravana (el que todo lo oye) lleva auriculares, mientras que Virupaksa (el que todo lo ve) luce gafas de sol. Además asigna a cada personaje un signo del zodiaco, un tipo MBTI e identidades contemporáneas, como vegano o no binario, captando así las múltiples facetas de la sociedad actual. Más allá del arte, «Los cuatro guardianes del budismo» se ha ampliado a una amplia gama de productos, entre los que se incluyen tazas, tarjetas de Año Nuevo, cinta adhesiva y pegatinas.
En 2024, Park logró gran atención como artista principal de 2D y diseñadora de personajes para el videoclip «Heya», del grupo femenino de K-pop Ive. Aunque se inspiró en motivos del arte tradicional coreano, como los tigres y los rollos de minhwa (pinturas populares) y los paisajes de sansuhwa («pinturas de montañas y agua»), fusionó a la perfección el aura audaz y empoderadora de los personajes femeninos de «Los cuatro guardianes del budismo» con las personalidades distintivas y los elementos estilísticos de cada miembro de Ive.
En tanto, otra artista conocida por colaborar con un grupo femenino de K-pop para lanzar merch es I Mimi, una ilustradora que crea obras encantadoras y kitsch basadas en dibujos lineales. Su tono característico es, sin duda, el rosa. Desde suaves tonos rosa pastel y magenta, hasta albaricoque o neón, un vibrante espectro f lorece en sus lienzos. En ese mundo teñido de rosa, flores, plantas, perros, gatos, personajes de dibujos animados y niños de pelo rizado, irradian una energía alegre y contagiosa. Mientras que las narrativas clásicas de princesas representan a figuras femeninas pasivas a la espera de ser salvadas por un príncipe, las chicas de las obras de I Mimi son vibrantes y rebosan confianza por sí solas.
Desde 2024, esta artista crea camisetas únicas. Inspirada por su propia frustración al buscar camisetas de edición limitada con sus personajes de animación favoritos, comenzó a dibujar directamente sobre camisetas blancas lisas usando rotuladores para tela. Al publicar fotos de sus camisetas dibujadas a mano, donde reinterpretaba figuras icónicas de la animación, como Jjanggu (Crayon Shinchan), Dooly el pequeño dinosaurio, las Supernenas, Bonobono y Howl, obtuvo popularidad en las redes sociales, logró una colaboración de gran repercusión con el grupo femenino Illit en 2025. Tras estudiar la imagen y la personalidad de cada integrante, I Mimi diseñó personajes felinos personalizados para cada una de ellas e incorporó los diseños a su vestuario. Ataviadas con esos conjuntos personalizados, Illit interpretó su tema «Billyeoon Goyangi (Do the Dance)» en el programa musical de televisión Music Bank, logrando ese mismo día su primera victoria en un programa musical.
Creada por Park Jieun para el teaser del videoclip de «Heya» (2024), la canción principal del segundo EP de Ive, la obra presenta el universo narrativo del grupo femenino en un formato de pergamino tradicional coreano.
Cortesía de Starship Entertainment
DE INTERNET A LA VIDA COTIDIANA
Estas figuras de «Keykney Friends» se presentaron en la Exposición Especial de Keykney celebrada en la DDP en 2026. Los personajes de las ilustraciones del artista se transformaron en productos tridimensionales.
Cortesía de Keykney
Hay otros creadores que han sabido aprovechar con éxito sus redes sociales para conectar con un público más amplio y ofrecer a los seguidores la oportunidad de integrar la obra de un artista en su vida cotidiana. Keykney, un ilustrador que trabaja principalmente en línea publicando tiras cómicas en Instagram, es un ejemplo de este enfoque. Descrito como un «mago de las palabras», ofrece contenidos que provocan una sonrisa de alegría gracias a su ingenioso humor y a sus juegos de palabras. Su obra más emblemática es la serie «¡Lo que quieras, te lo dibujo!». Cuando los lectores dejan comentarios en Instagram pidiéndole que dibuje escenas concretas, él responde con viñetas de una sola imagen aderezadas con humor y juegos de palabras. Por ejemplo, cuando le piden que dibuje una situación donde alguien «no quiere ir a trabajar» (hoesa gagi sireun sanghwang), representa con humor a empleados de oficina a los que no les gusta salir a comprar pescado crudo, un juego de palabras basado en la pronunciación idéntica de hoesa («empresa») y hoe sa («comprar pescado crudo»). Sin embargo, no dibuja solo historias absurdas y cómicas. Ante peticiones relacionadas con padres fallecidos o queridas mascotas también fallecidas, ofrece un consuelo profundamente conmovedor que hace llorar a innumerables lectores. Combinando ingenio con gran empatía, sus seguidores en Instagram ya superan el millón doscientos mil, y esa popularidad se ha extendido de forma natural al ámbito de los productos derivados. Desde calendarios autoeditados, hasta artículos en colaboración con marcas y recuerdos de edición limitada vinculados a sus exposiciones individuales, esos productos impregnados de su característico humor han demostrado claramente lo que algunos denominan el «poder de Keykney».
GRIMB es otro ilustrador que ha ampliado su presencia en plataformas de redes sociales como Facebook e Instagram. Capta momentos brillantes ocultos en situaciones cotidianas, como la vida idílica de una joven pareja de recién casados, o los sencillos instantes compartidos con un amigo felino. Al expresar la emoción universal del amor mediante un delicado trazo y cálidos tonos pastel, su obra encuentra un amplio eco entre la generación más joven. Al capturar esa felicidad silenciosa que tan fácilmente pasa desapercibida en la vida cotidiana, sus ilustraciones nos invitan a hacer una pausa y a contemplar el mundo que nos rodea con un corazón más amable y generoso. Imbuidas de tan acogedora calidez, sus obras trascienden la pantalla digital para convertirse en objetos tangibles. Reinterpretados en forma de postales, láminas artísticas, llaveros, pegatinas, camisetas y fundas para el móvil, esos tiernos momentos cotidianos de sus dibujos se integran con naturalidad en nuestras rutinas diarias.
Creada por GRIMB y odense Design Studio para la exposición «In the Pool» de 2021, esta colección colaborativa de cristalería representa a personas disfrutando de una escapada de verano.
Cortesía de GRIMB
Yi Hyun redactora jefa de «Art in Culture»
한국국제교류재단
